Literatura przełomu XIX i XX wieku. Poezja rosyjska XX wieku Twórczość liryczna XX wieku

Wyodrębnienie i ujawnienie specyfiki konfliktu lirycznego w utworze jest trudnym zadaniem, mimo istniejącego rozwoju teoretycznego, do którego się odwołujemy, w tym problemie pozostaje wiele nierozwiązanych kwestii. Tekst jako szczególny rodzaj literatury ma swoje własne cechy, które należy wziąć pod uwagę przy badaniu konfliktu. Powszechnie przyjmuje się, że w konflikcie lirycznym, w przeciwieństwie do epickiego, świat nie jest przedstawiony, ale wyrażany w uczuciach, myślach, doświadczeniach bohatera, powoduje to pewne cechy konfliktu.

Pojęcie konfliktu lirycznego zostało po raz pierwszy zdefiniowane przez Hegla. „Chociaż poezja liryczna – pisał – przechodzi do pewnych sytuacji, w których podmiot liryczny może wchłonąć w swoje uczucia i refleksje ogromną różnorodność treści, to jednak forma świata wewnętrznego stanowi zawsze główny typ tego rodzaju poezję i już tylko z tego powodu wyklucza światowy wizualny obraz rzeczywistości zewnętrznej.

Charakterystyczną cechą konfliktu lirycznego, według G. Pospiełowa, jest stosunek subiektywnego i obiektywnego. "Liryka to werbalne medytacje poety, wyrażające jego świat wewnętrzny. Jest to główny rodzaj liryki, w którym szczególnie wyraźnie ujawniają się określone cechy i wzorce."

W tekstach najpełniej ujawnia się wewnętrzny świat i świadomość poety, ponieważ ten rodzaj literatury wyróżnia się najwyższą koncentracją treści i formy.

Jednoznaczne określenie specyfiki liryki w utworze jest zawsze dość trudne. L. Timofiejew podkreśla istotne cechy liryki - jest to subiektywność i indywidualność w przedstawianiu postaci, koncepcje te wnoszą dodatkową jasność do badania problemu konfliktu lirycznego. Według naukowca teksty nie przedstawiają, ale odzwierciedlają życie, przekazując konkretne ludzkie doświadczenia, różniące się treścią. Poezja liryczna tworzy własny świat, własne zasady poznania życia, przekazuje psychologię uczuć i myśli o wiele subtelniejszą i głębszą, która nie zawsze podlega analizie psychologicznej.

Według L. Ginzburga poezja liryczna nie zawsze jest bezpośrednią rozmową poety o sobie i swoich uczuciach, ale zawsze jest punktem widzenia, oceną. „Początek oceniający przesiąknięty jest estetycznymi kategoriami wzniosłości i niskiego, poetyckiego i prozaicznego, tak wytrwałego w tekstach. W skompresowanych formach lirycznych początek oceniający osiąga niezwykłą intensywność”.

Konflikt w utworze lirycznym to złożony system koncentracji i warstwowania, którego kryteria są niezwykle trudne do określenia. Naszym zdaniem teoretyczne ustalenia dotyczące poezji Yu Łotmana pozwalają na przedstawienie konfliktu jako przejawu uniwersalnej zasady „tożsamości – sprzeczności” na wszystkich poziomach struktury tekstu poetyckiego. teksty konflikt poeta realizm

Strukturę konfliktu lirycznego z punktu widzenia opozycji binarno-antynomicznych bada A. Kowalenko w swojej pracy „Konflikt artystyczny w literaturze rosyjskiej” (poetyka i struktura). To podejście naukowe umożliwiło dogłębne zbadanie problemu konfliktu lirycznego w twórczości F. Tyutcheva, V. Chodasevicha, O. Mandelstama i innych.

Trzeba powiedzieć, że proces literacki lat 50. kojarzony jest z „bezkonfliktowością”, co znacząco wpłynęło na poziom artystyczny wielu dzieł i ich znaczenie. Poezja, podobnie jak inne gatunki, przez pewien czas znajdowała się pod wpływem „teorii bezkonfliktowej”. Panującą wówczas sytuację, zarówno w literaturze w ogóle, jak iw poezji, określano mianem „kryzysu”. Dowodem na to jest szereg dekretów dotyczących literatury i sztuki, a także dyskusja o poezji tocząca się na łamach gazet i czasopism.

Dyskusja o poezji, jaka toczyła się w publikacjach literackich, miała dać odpowiedź na główne pytanie: jaka powinna być poezja przyszłych dziesięcioleci?

Krytyk E. Zelinsky w swoim artykule „O tekstach” kładł nacisk na perspektywy rozwoju kierunku lirycznego w poezji, broniąc „ogólnego wysiłku intymności naszej poezji”. Sprzeciwiający się mu A. Leites widział w tym zjawisku przejawy „szkodliwego”, jego zdaniem, „wewnętrznego rozhamowania”. I. Grinberg przyznał, że „poezja liryczna zdecydowanie przoduje w zbiorach i działach poetyckich naszych pism ostatnich lat”. Ten fakt postrzegał jako niebezpieczny symptom tego, że w poezji pojawi się wiele osobistych doświadczeń, a to wpłynie negatywnie na rozwój poezji.

Te krytyczne artykuły o poezji pisane są z duchem czasu, nie poruszają skomplikowanych problemów ówczesnego życia literackiego, a jedynie demonstrują formalne podejście i uczestnictwo w aktualnej sytuacji. Nie jest to przypadkowe, ale całkowicie naturalne zjawisko w jednolitym procesie literackim lat 50.

Ogólny trend w rozwoju tematów, idei, nastrojów jest charakterystyczny zarówno dla prozy, jak i dla poezji. W utworach epickich dominował temat powojennych przemian i konstrukcji społecznych, w interesującej nas poezji końca czasów obserwujemy podobne zjawiska, z wyjątkiem tych autorów, których twórczość nie spełniała wymagań i, pomimo różnego rodzaju sprzecznych momentów w rozwoju tekstów z tamtych lat (dekret „O dziennikach „Gwiazda” i „Leningrad” (1946), poszczególne utwory A. Achmatowej, B. Pasternaka nadal ukazywały się drukiem.

Głównym wymogiem stawianym ówczesnej poezji było odzwierciedlenie w niej konkretnych faktów osiągnięć w odbudowie kraju. W wyniku tego, zarówno w prozie, jak iw poezji tych lat, tematy wiejskie i przemysłowe zaczęły się aktywnie rozwijać. Potwierdzeniem mogą być wiersze N. Gribaczowa „Kołchoz „Bolszewik” (1947), „Dzień roboczy” M. Łukonina (1948), „Poemat rzek północnych” (1951) M. Łukonina i inne napisane w tych latach z satysfakcją odnotowywał w nich „nowy powiew życia, patos pracy, odwagę i marzenia młodego pokolenia, które wyszło z wojny, chęć odbudowy gospodarki kraju w nowy sposób”.

Ze względu na szczególną dbałość o „budowanie nowego życia” wątki liryczne zaczęły mniej wybrzmiewać w twórczości poetów. Początek liryczny w wierszach zaczął schodzić na dalszy plan, a nawet całkowicie znikać z utworów. To właśnie wzbudziło zaniepokojenie Z. Kedriny w artykule „W poszukiwaniu głównego. (Historia zaginionego procesu literackiego)”. „Zmieniało się samo rozumienie tekstów, zmieniał się nie prestiż tekstów, ale ich poziom” – napisała w artykule i jako dowód powołała się na fakt, że zaczęły się nowe cykle liryczne różnych poetów składać się z wierszy napisanych na tematy obywatelskie. Nazwany takimi wierszami jak „Water's Way” V. Inbera, „Podnieście głos, uczciwi ludzie, zerwijcie maski z morderców!” A. Surkova, „O bliskich podejściach” M. Aliger.

Odmiennego zdania była O. Bergolts, uznając „wadę” liryki, uważała, że ​​materiał do poezji należy wciąż brać „z życia”, zauważając przy tej okazji: „Błędny jest punkt widzenia, że ​​nasz życie nie dostarcza materiału, ta myśl może dezorientować, ma na celu zmniejszenie odpowiedzialności poetów za ich twórczość.

Z reguły „istotny materiał” realizowany był w tematyce przemysłowej i wiejskiej, co znacznie obniżało poziom „liryzmu” w poezji, właśnie temu podejściu sprzeciwiała się Z. Kedrina i nie znajdowała poparcia dla swoich wypowiedzi w krytyce.

Można zauważyć, że w dążeniu do tworzenia utworów w duchu czasu, twórczość poszczególnych poetów wykazywała tendencję do „upiększania” rzeczywistości, co skutkowało deklaratywnym patosem, „sielanką” i „blaskiem” codziennej pracy. Jako przykład tego rodzaju poezji można posłużyć się wyborem wierszy w czasopiśmie „Znamya” (1951, nr 10). E. Dolmatovsky w cyklu poetyckim „By Future Seas” (1951) „w błękitnym niebie” przedstawia rzeczywistość:

A biały gołąb leci w błękicie

Nad ulicą Mira wczesnym rankiem.

I podobnie jak semafory, droga jest otwarta! -

Żurawie wieżowe wszędzie.

A. Prokofiew całkowicie „łatwo” i „pusty” oddaje stan bohatera lirycznego:

A zmartwienia są daleko

I niewiele zmartwień

złote światła,

Długa droga .

W poezji pojawiło się wiele dzieł napisanych „na temat dnia”, to właśnie ta cecha nie pozwalała im „istnieć” przez długi czas, chociaż „przepływ poetycki” w publikacjach literackich był znaczący. Zdarza się, że „ilość nie idzie w parze z jakością”. S. Shchipachev wyraził zaniepokojenie tym w artykule „For High Poetry”: „W poezji nie ma ciekawych nowości, dużo piszą, ale wszystko zależy od poziomu umiejętności. W literaturze i sztuce wielu przeciętnych, a czasem po prostu pojawiły się utwory zniekształcające rzeczywistość. Życie przedstawiane jest niemrawo i nudno. W poezji jest wiele dzieł niedokończonych i słabych. To sygnał poważnych kłopotów. Poezji brakuje zdolności tworzenia uogólnionych obrazów, odzwierciedlania życiowych konfliktów. W wielu wierszach ani nie odczuwa się natchnienia, myśli ani poszukiwania nowych form wyrazu”.

Dalej poeta zwracał uwagę na inne „negatywne” zjawiska w poezji, wymieniając takie jak „niesamodzielność i naśladownictwo”, „gonitwa za setkami” młodych poetów, „słaby” krytycyzm i samokrytycyzm. Jako potwierdzenie swoich słów S. Shchipachev zacytował wiersz V. Tushnova „Droga do Klukhor” („Sztandar”, 1952, nr 9) i M. Aligera „Wieże na morzu” („Nowy świat”, 1952 , nr 2), które nie są pozbawione wad wymienionych powyżej.

O. Bergolts w swoim krytycznym artykule opublikowanym w „Literaturnaja Gaziecie”, próbując znaleźć „źródła” negatywnych przejawów w poezji, napisała: „Poeci”, realiści o wypasie, „którzy boją się wyrazić nasze życie własnym sercem , jako część nas samych, cierpiąca na oczywisty lęk przed samym sobą, stroniąca od samych pojęć - osobowości, indywidualności, autoekspresji, czyli tego, bez czego poezja po prostu nie istnieje".

Wielu pisarzy uznało „lekkość”, „niski poziom kultury wiersza” i artystyczną niewyrazistość. Ale ogólnie krytyka nie martwiła się poziomem treści, ale faktem, że „poezja zaczęła pozostawać w tyle za prozą”. Widzieli wady poezji w tym, że „jest daleko w tyle za czasami, od żywej praktyki naszych czasów”.

A. Surkov wyraził ideę potrzeby bliższej, organicznej zbieżności poezji z rzeczywistością życiową i jej problemami związanymi z pracą: „Wielkie zadania stojące przed nami muszą być rozwiązywane w oparciu o podstawowy wymóg - aby ludzie nie tylko„ przychodzili po materiał "na wielkie place budowy, ale żeby wchodzili w te obiekty jako współautorzy razem z betoniarzami. Razem z koparkami, razem ze spychaczami...".

Teza o potrzebie bliskich kontaktów poetów z realnym życiem była oczywiście słuszna. Jednak oprócz znajomości otaczającej rzeczywistości konieczne było opanowanie warsztatu artysty, aby tworzyć dzieła nie „według schematu”, „porządku”, ale według twórczej inspiracji.

Należy zaznaczyć, że konieczne było postawienie zadań nie tylko poezji, ale i krytyce, gdyż nie spełnił się jej główny cel – zamiast głębokiej analizy procesu literackiego, twórczości poszczególnych poetów i ich utworów, powierzchowny analiza wierszy została podana w duchu „bezkonfliktowości”. Konieczna była jakościowo nowa krytyka, w związku z czym sformułowano jej zadanie: „Głównym zadaniem krytyki jest pokazanie, w jaki sposób ucieleśnia się idea poezji, ujawnienie artystycznych, indywidualnych cech ucieleśnienia osobowości poety , spróbować oddać żywy podziw, powiew idei w obrazach, intonacji, muzykalności.

Szczególnie ostro i ostro dyskutowano o problemach poezji w przededniu II Ogólnounijnego Kongresu Pisarzy Radzieckich (1954), a następnie na samym zjeździe. Głównymi pytaniami, wokół których toczyła się dyskusja w „Literaturnej Gaziecie”, były pytania o bohatera lirycznego i „autoekspresję poety”.

Rozmowa o poezji na II Ogólnounijnym Kongresie Pisarzy przybrała fundamentalny kierunek. Przede wszystkim zauważono, że stan poezji jest daleki od pomyślności, gdyż na jej rozwój wpłynęła tendencja do „upiększania rzeczywistości, wyciszania sprzeczności rozwoju i trudności wzrostu”.

Myśl o potrzebie zdecydowanego podniesienia ogólnego poziomu ideowego i artystycznego wierszy, pogłębienia artystycznej wiedzy o świecie była główną myślą w raporcie Sameda Vurguna „O poezji radzieckiej”. Prelegent zauważył, że poezja „potrzebuje dzieł przesiąkniętych wzniosłymi ideami i filozoficznymi przemyśleniami”. W związku z tym prelegenci skupili się na specyficznych wadach poezji. V. Lugovskoy powiedział: „Często po prostu gryziemy tematy w pośpiechu, jak jabłko, nie docierając do złotych ziaren prawdziwego tematu”. O. Bergolts poddał poezję współczesną fundamentalnej krytyce. „Bezosobowość”, argumentowała, „to kolejny powód, dla którego nasza poezja pozostaje w tyle”.

Dyskusja na kongresie przyczyniła się do wypracowania obiektywnej oceny twórczości poetyckiej i rozwoju poezji na innym poziomie ideowym i artystycznym.

Mimo pojawiających się pozytywnych zmian w poezji lat 50. sytuacja była dość skomplikowana, ponieważ „bezkonfliktowość” utrzymywała się w poszczególnych utworach poetyckich, w tym w artykułach krytycznych, które wspierały „powierzchowną retorykę” poezji i „bezkonfliktową refleksję”. Latami zajęło „wykorzenienie” „niekonfliktowości”, całkowite „pozbycie się” tego zjawiska. Jednak rozwój twórczości poetyckiej nie ustał. Samokrytyczna, „niezadowolona z siebie”, poezja w dyskusjach, w poszukiwaniu prawdy nabrała niepodważalnych wartości i zaczęła znacznie „nabierać sił”.

„Czas nadejścia poezji”, o którym mówił podczas dyskusji I. Erenburg, nadszedł bardzo szybko i szybko. Nakreślono nowy etap w rozwoju poezji, która przetrwała trudną powojenną dekadę przebudowy psychologicznej i estetycznej. Dowodem na to są dzieła N. Zabolotskiego, Y. Smeliakowa, A. Twardowskiego i innych, a także wiersze młodych poetów - A. Wozniesienskiego, E. Jewtuszenki i innych.

Na początku lat 50. w liryce, jak iw literaturze w ogóle, wiele uwagi poświęcano twórczości autorów, którzy w swoich utworach odzwierciedlali wielkie sukcesy w budownictwie dekady powojennej, oddając szczególny patos czas i tworzenie w poezji atmosfery entuzjazmu dla przemian w kraju; tacy poeci to N. Aseev, A. Prokofiew, Ya Smelyakov i wielu innych. Łączy ich nie tylko czas, ale także podejście do przedstawiania rzeczywistości. Być może dlatego popularność ich twórczości należy już do przeszłości i pozostaje jedynie cechą charakterystyczną procesu literackiego.

Kiedyś krytyka nie ignorowała ich twórczych poszukiwań, a badacze w swoich pracach dogłębnie badali indywidualne cechy każdego z nich, dlatego zwracając się do poezji tego czasu, postaramy się jedynie zidentyfikować trendy w konfliktowej treści dzieł, które są najbardziej znaczące w procesie literackim i są w stanie wyjaśnić istotę postawionych problemów.

„Muzę pracy” nazwano tekstami Y. Smelyakova z lat 50. W wierszach poety los lirycznego bohatera utożsamiany jest z losem ludu i państwa, a na jego obrazie można prześledzić „wewnętrzne wywyższenie”, dumę z tego, co uczynił:

Zbudowałem okopy i bunkry,

ciosane żelazo i kamień,

i ja z tej pracy

stał się żelazem i kamieniem…

Stał się nie duży, ale wielki,

medytacja leży na czole,

jak niebo o poranku

na wypukłym, gołym podłożu.

Liryczny bohater mówi z najwyższą powściągliwością o tym, co osobiste, indywidualne, ponieważ w jego życiu najważniejsza jest publiczność.

Według badaczy twórczości Ya Smelyakova w wierszach poety z lat 50. zdefiniowano nową kategorię estetyczną - „głos prawdy”, który zawierał istotę czasu. Kierując się tą estetyką, poeta dążył do utrwalenia i ujęcia w swoich utworach najważniejszych prądów wyznaczających historię, życie, twórczość, znaki czasu. Ziemia, żelazo, węgiel, chleb to główne filary, na których opiera się według poety życie pracy i ludu, dlatego praca jest przez niego przedstawiana szeroko, jako największe wydarzenie w życiu. Skala dyktuje wierszom uroczystą intonację, monumentalność obrazów. „Strict Love” (1953-1955) jest dziełem odzwierciedlającym takie podejście do przedstawiania rzeczywistości. W krytyce pisali o nim: „Poeta chciał wskrzesić„ zbiorowy patos ”młodego pokolenia milicji przemysłu, porównując dwie epoki – młodość kraju i jego dojrzałość, aby zrozumieć schemat rozwoju historycznego, aby podkreślić jedność pokoleń”.

Czas w wierszu Y. Smelyakova jest reprezentowany przez określone postacie, a autor występuje zarówno jako narrator, jak i jako narrator oraz jako rozmówca, więc obraz czasu jest niejako przedstawiony z różnych punktów widzenia.

W książce L. Lavlinsky'ego o twórczości Y. Smelyakova czytamy: „Ostrość konfliktu, wewnętrzne zagęszczenie akcji określają osobliwą kompozycję wiersza„ Strict Love ”. ). Powstają główne pola grawitacyjne wokół dwóch wątków materiał jest zgrupowany. Cała struktura artystyczna wiersza opiera się na solidnych ramach kontrastowych porównań”.

Y. Smelyakov odzwierciedla czas, epokę, komsomolski entuzjazm młodzieży, która żyła zbiorową masową świadomością. Ocenia swoją komsomolską młodość z punktu widzenia nowej epoki, końca lat 50., dlatego z życzliwą ironią i surową miłością pisze o „naiwnej ascezie” tamtejszych nastolatków - „żelaznych dziewczynach”, „dzieciach ze stali”, „dzielni chłopcy”, którzy „ze skondensowanymi hasłami pracy i stanowczą klarownością statutu” nie zwracali uwagi na jednostkę, mało doceniali niepowtarzalną indywidualność osoby.

Oczywiście podłoże fabularne determinuje rozwój akcji i konflikt, który wyrażają przeciwstawne poglądy i działania bohaterów, trudno im zrozumieć ograniczenia ich pozycji, krótkowzroczność ich poglądów. W wierszu można prześledzić dwie historie, jedna z nich jest skorelowana z pojawieniem się pierwszej miłości dwojga członków Komsomołu - Lizy i Jaszki, druga - z życiem rodzinnym Zinki i stosunkiem do niego innych bohaterów wiersza. Pod tym względem praca niejednoznacznie rozwiązuje problemy zbiorowe i indywidualne, publiczne i osobiste.

Poczynaniom i poczynaniom bohaterów towarzyszy aura wzniosłości, a nawet pewnej przesady. Obok świata pracy i obrabiarek, haseł i spotkań żyje „pierwsza miłość”, przeobrażając świat, odnawiając życie. To uczucie miłości, zdaniem poety, jest w stanie zastąpić u bohaterów kategoryczność i naiwną ascetyzm w stosunku do wartości duchowych.

„Strict Love” Y. Smelyakova to dzieło, które najlepiej oddaje wpływ czasu na zdefiniowanie tematu i wyrażenie pewnego rodzaju konfliktu, który w tej pracy można uznać za społeczny, a nie liryczny.

N. Zabolotsky należy do poetów „starszego pokolenia” powojennej dekady. Wczesna twórczość poety związana była z działalnością Oberiutów iw dużej mierze determinowała tematykę i idee utworów. Początek lat 50. wiąże się z nowym etapem twórczości, N. Zabolotsky stworzył cały „krzak” wierszy poświęconych pracy. Centralny to „Road Makers” (1947), uzupełniony „Podróżami powietrznymi”, „Khramges”, „Saguramo”, „Miasto na stepie”, „Ural” i „Na wysokiej górze pod Tagilem”.

Wiersz N. Zabolotsky'ego „Road Makers” został skrytykowany jako „symfonia pracy”, w której poecie udało się wyrazić wielkość skali budowy, doprowadzonej „do niesamowitości, do bajeczności,… łącząc nienaganną wierność raportu i wielkość uroczystego hymnu”.

Oczywiście obraz pracy w wierszu jest nieco wysublimowany, „upiększony”, jego opis jest deklaratywnym patosem:

Nad stromizną starego zbocza

Sznurki Fickforda już trzeszczą,

I nagle - cios, a brzoza zadrżała,

A brzuch kamiennej góry zawył…

Wybuchowe dzieła, maszyny, ludzie opisywane są w zasadzie z reporterską dokładnością w rzeczywistej sekwencji procesu pracy, ale poeta, aby „ożywić” dokumentalną opowieść, w drugiej części wiersza wprowadza opis natury:

Ponura Północ skrzywiła się zazdrośnie,

Ale z każdym dniem robi się coraz goręcej i szybciej

W kierunku Cieśniny Beringa

Płynął strumień tropikalnych mórz.

Jasny pejzaż tworzy niesamowity obraz, zupełnie „niepasujący” do procesu produkcyjnego, dodatkowo podkreślający pewną „sztuczność”, patos, „bezkonfliktowość”.

Nie ma wątpliwości, że N. Zabolotsky w wierszu „Road Makers” starał się odzwierciedlić wyjątkowy entuzjazm pracy pierwszych lat powojennych, pokazując zakres wspaniałej pracy na tle wspaniałej przyrody, nie mógł uniknąć tych błędów i mankamenty typowe na ogół dla dzieł tego typu.

Wiersz „Przechodnia” jest uważany za jeden z najlepszych w tekstach N. Zabolotsky'ego, poświęcono mu wiele uwagi w badaniach twórczości poety. Głębsza analiza tego poetyckiego tekstu znajduje się w książce Y. Łotmana „O poetach i poezji”, w monografii A. Makedonowa „Nikołaj Zabołocki. Życie. Twórczość. Metamorfozy”, więc zwracamy się do tej pracy, aby przeanalizować konflikt liryczny, zbudowany w tym przypadku na głębokiej filozoficznej opozycji życia i śmierci, człowieka i pomnika.

W fabule wiersza - spotkaniu Przechodnia i pomnika - ujawnia się jeden z głównych tematów późnej twórczości N. Zabolotsky'ego - temat śmierci i nieśmiertelności, który obejmuje szereg innych „mikro- wątki” – pamięć wojny, „katastrofy” tysięcy ludzi, dalszy ciąg życia osoby, która przeszła trudne próby. Wszystkie te wątki łączą się w głęboką treść ideową, określającą wewnętrzny konflikt Przechodnia rozmawiającego z pomnikiem.

Spotkanie Przechodnia z pomnikiem pilota jest spotkaniem życia i pamięci, a w tym spotkaniu rodzi się szczególne przeżycie, „nieoczekiwanie natychmiastowe, przeszywające duszę spokojem”, bo w nim wyciszane i przezwyciężane są niepokoje , życie toczy się dalej, a pilot jak żywy rozmawia z Przechodniem, a po jego śmierci młodość trwa. To szczególne przeżycie, zdaniem Yu Łotmana, to nie tylko uczucie lęku czy upokorzenia przed śmiercią i nie zaprzeczenie w imię wyższej duchowej hierarchii, ale odkrycie wyższej duchowości w Przechodniu, w pomniku, w naturze .

Wewnętrzny ruch wiersza, jego wewnętrzna fabuła to ukryte przeżycie, konflikt samego Przechodnia, pełen duchowego niepokoju. Jego krótka podróż, spotkanie na drodze, rozmowa z niewidzialnym pilotem przeradzają się w symbol wielkiego i trudnego ludzkiego losu.

Wiersz N. Zabolotsky'ego „Brzydula dziewczyna” odniósł wielki sukces dzięki „najwyższej prostocie, która nieuważnemu oku może wydawać się prymitywna, ale w rzeczywistości wymaga wysokich i złożonych umiejętności”.

W pracy zwrócono uwagę na problem dwoistości, który determinuje podłoże konfliktu. Jego pierwszą częścią jest codzienny skecz - scena rozgrywająca się "na podwórku", gdzie "dwóch chłopców jedzie na rowerach", zapominając o swojej brzydkiej rówieśniczce. Jego nieatrakcyjność opisano wystarczająco szczegółowo:

Wśród innych dzieci

Wygląda jak żaba...

Rysy twarzy są ostre i brzydkie ...

Nawet urok dzieciństwa jej nie maluje, a gdy nadejdzie czas młodości, nie będzie miała „nic, co by… uwodziło wyobraźnię”. Liryczny bohater przewiduje, jaki „ból”, jaki „przerażenie” przeżyje wtedy „biedna brzydka”. Portret „brzydkiej dziewczyny” nie jest w żaden sposób wygładzony, dlatego charakterystyka jej „serca”, „duszy” wyróżnia się ze szczególnym kontrastem. Bohaterka jest otwarta na wszelkie wrażenia życia, nie ma w niej „ani cienia zazdrości, ani złej intencji”, gdyż „cudze” i „swoje” są dla niej nierozłączne („radość cudza, tak jak jej własna , // Dręczy ją i wyrywa z serca”). W jej sercu „raduje się i śmieje” samo życie:

Wszystko na świecie jest dla niej tak niezmiernie nowe,

Wszystko, co jest martwe dla innych, jest takie żywe!

Piękno duszy, w przeciwieństwie do zewnętrznego sukcesu („... wśród przyjaciół // To po prostu biedna, brzydka dziewczyna!”), staje się pieczęcią jej wybrania, skazując ją na samotność i niezrozumienie.

Obserwacja realności konkretnej egzystencji prowadzi do filozoficznych rozważań nad tym, jak piękno objawia się w człowieku, dlaczego ludzie „ubóstwiają” cechy zewnętrzne, nie zauważając, że „w każdym ruchu” przebija się „łaska duszy”. Pytanie kończące wiersz jest retoryczne – zawiera w sobie również odpowiedź. Piękno nie może być „pustką” w pięknym „naczyniu”. Obraz liryczny jest zgodny z rozwojem głównej myśli autora o wewnętrznym pięknie osoby, tworząc szczególny konflikt „zewnętrznych” i „wewnętrznych” niekonsekwencji.

Cykl „Ostatnia miłość” (1957) N. Zabołockiego jest interesujący jako przejaw konfliktu lirycznego. „Ostatnia miłość” dla lirycznego bohatera – z jednej strony – to „beznadzieja”, z drugiej – przeżycie pełne uroku i blasku „pożegnalnego światła”. Zewnętrznemu, „ciężkiemu” światopoglądowi przeciwstawia się świadomość obserwatora, przenikająca w głąb dusz bohaterów. Miłość oświetla cały otaczający nas świat jaśniej niż „blask elektryczny”, w „jej promieniach” szczególnie widoczny staje się nierozerwalny związek między rozkwitaniem a więdnięciem, „smutkiem” a „radością”, „życiem” a „śmiercią”:

W nieuniknionym przeczuciu smutku,

Czekam na jesienne minuty

Morze chwilowej radości

Otoczony przez kochanków tutaj ...

Miłość jawi się nie tylko jako konkretne doświadczenie, ważne jest również jej znaczenie filozoficzne. Jest to szczególny stan nadawany ludziom, aby ukazali prawdziwy sens swojego życia, wyzwalając na chwilę z ziemskiej niewoli esencję człowieka – jego nieśmiertelną, piękną, „ognistą” duszę.

Konflikt liryczny N. Zabolotsky'ego opiera się zawsze na "dwóch światach", u jego podstaw leżą "świat człowieka" i "świat natury", i to jest jedna całość, która definiuje "świat duszy ludzkiej". W wierszu „O zachodzie słońca (1958) poeta pisze:

Człowiek ma dwa światy:

Ten, który nas stworzył

Kolejny, że jesteśmy ze stulecia

Tworzymy na miarę naszych możliwości.

Można zatem argumentować, że charakter konfliktu lirycznego w twórczości N. Zabolotsky'ego z lat 50. znacznie się zmienił i przeszedł swoistą ewolucję: od „produkcji”, wyrażającej się poprzez wielkoskalowe pokrycie gigantycznego konstrukcji i wzniosłego patosu przedstawionych, po głęboko osobiste, wewnętrzne, oparte na złożoności wydarzeń życiowych.

Poezja lat 50. odzwierciedlała nie tylko ewolucję tematów, idei, obrazów, ale także ewolucję konfliktu lirycznego, który na przestrzeni lat znacząco się zmienił. Pod koniec lat czterdziestych i na początku lat pięćdziesiątych poezja znajdowała się pod silnym wpływem właśnie zakończonej wojny; w tych latach galaktyka poetów „z pierwszej linii” zadeklarowała się w szczególny i potężny sposób. Temat wojny stał się jednym z głównych tematów w twórczości S. Gudzenko, M. Isakowskiego, K. Simonowa, A. Twardowskiego, S. Orłowa i innych, którzy w swoich pracach odzwierciedlali złożony konflikt historyczny tamtych czasów.

Charakterystyczne dla poezji tego czasu jest pragnienie zrozumienia głównych nurtów epoki, zakresu przemian społecznych. Temat powrotu do spokojnego życia był integralną częścią twórczości wielu poetów, w tym M. Łukonina, N. Gribaczowa, Ja. Smeliakowa. Nie sposób nie zauważyć, że podobnie jak w prozie, „bezkonfliktowy” konflikt liryczny częściej realizował się w temacie przemian społecznych iw temacie wsi. Najwyraźniej wpłynęło to na ogólny trend w rozwoju literatury tamtych czasów i chęć odzwierciedlenia pozytywnych aspektów życia. Nieco „lekki”, „bezkonfliktowy” jest np. obraz rzeczywistości w wierszu „Bolszewicki kołchoz” N. Gribaczowa i „Dzień roboczy” M. Łukonina. Dążenie do idealizacji życia jest także charakterystyczne dla pojedyncze wiersze E. Dolmatovsky'ego, A. Prokofiewa, Ya Smelyakovej.

„Bezkonfliktowy” konflikt liryczny miał negatywny wpływ na rozwój poezji w latach pięćdziesiątych. Po pierwsze przyczyniło się to do ogromnego napływu nic nie znaczących utworów, ich „ilość przerosła jakość”, a po drugie w dużej mierze zdeterminowało granice tematyczne i niski poziom kunsztu poezji. Z biegiem czasu, od drugiej połowy lat 50., sytuacja w poezji, a także w ogóle w literaturze, zaczęła się zmieniać. „Bezkonfliktowa”, uznana za nie do utrzymania i szkodliwą, dzięki dyskusjom i wypracowanej obiektywnej ocenie tego zjawiska, stała się jedynie integralną częścią poszczególnych wierszy. Wraz z przezwyciężeniem „niekonfliktowości” w poezji lat 50. i 60. zaczęły pojawiać się utwory, w których konflikt liryczny nie opierał się na „sztuczności”, ale na głębokiej sprzeczności między lirycznym bohaterem a jego pamięcią historyczną ( A. Twardowskiego), na prawdziwej świadomości problemów życia na wsi (N. Rubtsov), na głębokim filozoficznym zrozumieniu najbardziej złożonych problemów życia i czasu (A. Achmatowa, B. Pasternak), na aprobacie nowych szanse ludzkości w dobie globalnych przemian (E. Evtushenko, A. Voznesensky).

Literatura

• 1. Bergolts O. Przeciwko eliminacji tekstów // Gazeta literacka. - 1954 r. - 28 października.
• 2. Vinokurov E. Świat trzech wymiarów / Dzień Poezji. - M., 1960.
• 3. Drugi Ogólnounijny Kongres Pisarzy Radzieckich. Dosłowny raport. - M., 1956.
• 4. Hegla. Estetyka. T.3. - M., 1971.
• 5. Ginzburg L. O tekstach. - M., 1964.
• 6. Grinberg I. Twórczość młodego // Gazeta literacka. - 1947. - 16 lutego.
• 7. Dolmatovsky E. Na przyszłych morzach // Znamya. - 1951. - nr 10.
• 8. Zabołocki N. Sobr. op. w 3t. T.1. - M., 1983.
• 9. Zabolotsky N. Twórcy dróg // Nowy świat. - 1947. - Nr 1.
• 10. Zelinsky K. O tekstach // Baner. - 1946 r. - nr 8-9.
• 11. Isakovsky M. Jak długo? // Kwestie literatury. - 1968. - nr 7. Selvinsky I. Epos. Tekst piosenki. Dramat. (Notatki na marginesach poezji) // Gazeta literacka. - 1967. - 2 kwietnia.
• 12. Kedrina Z. Poszukiwanie najważniejszej rzeczy. (Historia zaginionego procesu literackiego) // Nowy świat. - 1948. - nr 5.
• 13. Lavlinsky L. Siła wybuchowa. M., 1972.
• 14. Leites A. O „podwójnej księgowości” w krytyce // Gazeta literacka. - 1946. - 5 października.
• 15. Makedonov A. Nikolay Zabolotsky. Życie. Kreacja. Metamorfozy. - M., 1987.
• 16. Pikach A. Wiek pokolenia // Zvezda. - 1970. - nr 11.
• 17. Pospiełow G. Teoria literatury. - M., 1978.
• 18. Prokofiew A. Razem z piosenką // Banner. - 1951. - Nr 7.
• 19. Rodnyanskaya I. Poezja N. Zabolotsky // Kwestie literatury. - 1959. - Nr 1.
• 20. Smielakow Ja Sobr. op. w 3 tomach T.3. - M., 1977.
• 21. Surkow A. Literatura radziecka i wielka konstrukcja komunizmu // Znamya. - 1951. - Nr 1.
• 22. Tarasenkov A. Uwagi o poezji // Nowy świat. 1948. - nr 4.
• 23. Shchipachev S. Za wysoką poezję // Prawda. - 1952. - 13 grudnia.

Rozważ główne cechy i trendy w poezji rosyjskiej drugiej połowy XX wieku.

Poeci starszego pokolenia

W latach pięćdziesiątych nastąpiło odrodzenie twórcze w rozwoju poezji rosyjskiej. Twórczość poetów starszego pokolenia poświęcona była zrozumieniu „moralnego doświadczenia epoki” (O. Bergholz). W swoich wierszach N. Asejew, A. Achmatowa. B. Pasternak, A. Twardowski, N. Zabołocki, W. Ługowskoj, M. Swietłow i inni w sposób filozoficzny zastanawiali się nad problemami niedawnej przeszłości i teraźniejszości. W tych latach aktywnie rozwijały się gatunki tekstów cywilnych, filozoficznych, medytacyjnych i miłosnych, różne liryczne formy epickie.

Szczytami poezji lat 50. i 60. były filozoficzne liryki i liryczne utwory epickie A. Twardowskiego, „Elegie Północne” i „Requiem” A. Achmatowej, wiersze z powieści „Doktor Żywago” oraz cykl poetycki „Kiedy to klaruje” B. Pasternaka.

Na ogół twórczość poetów starszego pokolenia wyróżnia dbałość o sferę moralną współczesnego człowieka w powiązaniu z historią, z przeszłością, teraźniejszością i prawdopodobną przyszłością.

Poeci pokolenia frontowego również w swojej twórczości sięgali do wątków „odwiecznych”, wyrażając własną wizję wojny i człowieka na wojnie. Oczywiście głównym motywem ich pracy był temat pamięci. Dla S. Gudzenki, B. Słuckiego, S. Narowczatowa, A. Mieżyrowa Wielka Wojna Ojczyźniana na zawsze pozostała główną, jeśli nie jedyną miarą moralności. Integralną częścią procesu literackiego były wiersze poetów, którzy zginęli na wojnie - P. Kogana. M. Kulchitsky, N. Mayorov, N. Otrada, G. Suvorov i inni.

artyści

W latach 50. do literatury wkroczyło nowe pokolenie poetów, których młodość przypadła na okres powojenny - E. Jewtuszenko, R. Rożdiestwienski, A. Wozniesienski, R. Kazakowa - ich wiersze skupiały się na tradycji oratoryjnej. O kontynuacji tej tradycji zadecydowała publicystyczna orientacja twórczości młodych poetów, którzy poruszali kwestie istotne dla swoich czasów. To ci poeci, których współcześni nazywali artystami. Lata „odwilży” charakteryzowały się prawdziwym boomem poetyckim: wiersze czytano, spisywano, zapamiętywano. Poeci gromadzili sale sportowe, koncertowe, teatralne w Moskwie, Leningradzie i innych miastach kraju. To właśnie „ludzie różnorodności” zostali później nazwani „latami sześćdziesiątymi”.

„Ciche teksty”

„Głośna” poezja lat sześćdziesiątych w drugiej połowie lat 60. została zrównoważona tekstami, które otrzymały określenie „cichy”. Poetów tego nurtu łączyły wspólne wartości moralne i estetyczne. Jeśli poezja lat sześćdziesiątych kierowała się tradycjami Majakowskiego, to ciche teksty odziedziczyły tradycje poezji filozoficznej i krajobrazowej F. Tiutczewa, A. Feta, S. Jesienina. „Ciche teksty” obejmują twórczość poetów N. Rubcowa, W. Sokołowa, S. Kuniajewa i innych. Ich poezję łączy pragnienie zrozumienia złożonych sprzeczności stulecia i poszukiwanie nowej harmonii. W swoim patosie twórczość „cichych liryków” bliska jest realistycznemu nurtowi „wiejskiej prozy”. Juz Kuzniecow, który wszedł do literatury w latach 60., również bliski jest „wiejskiej prozie”.

Obywatelski patos poetów lat sześćdziesiątych i subtelny liryzm „cichych tekściarzy” połączyły się w twórczości dagestańskiego poety R. Gamzatowa, na którego wierszach napisano wiele piosenek. „Ciche teksty” Gamzatowa łączy ponadczasowa, filozoficzna orientacja jego poezji i odwoływanie się do narodowych obrazów folklorystycznych.

Poezja modernistyczna

Poezja A. Tarkowskiego, I. Brodskiego, poetów pierwszego pokolenia D. Samojłowa i S. Lipkina, lata sześćdziesiąte B. Achmaduliny, A. Kushnera, O. Czukhoncewa, poeci lat 70.-80. W. Krivulin, O. Sedakova . Ich poezję jako całość charakteryzuje poczucie historyzmu, wyrażające się w jawnym lub ukrytym, dialogowym cytowaniu dzieł klasycznych, w rozumieniu pamięci jako podstawy moralności, ratującej człowieka i kulturę od chaosu.

I. Brodski

Zmuszony do opuszczenia kraju w 1972 r. I. Brodski otrzymał w 1987 r. Literacką Nagrodę Nobla, aw 1991 r. otrzymał, podobnie jak w swoim czasie A. Achmatową, płaszcz i doktorat w Oksfordzie. Talent Brodskiego przejawiał się wyraźnie w różnych gatunkach prozy, liryki i liryki. Wyjątkowość tego poety polega na tym, że jego poezja wchłania bogate tradycje artystyczne poezji krajowej i zagranicznej od mitologii po wiek XX.

Piosenka autorska

Od lat pięćdziesiątych XX wieku rozwija się gatunek piosenki autorskiej, który z czasem stał się niezwykle popularny. Kreatywność B. Okudżawa. A. Galicz, N. Matwiejewa. W. Wysocki, J. Wizbor i inni byli jedną z form przezwyciężenia dogmatyzmu treści formalnej, oficjalności oficjalnej poezji patriotycznej i płytkich popowych przebojów. Uwaga tych poetów skupiała się na życiu zwykłego, „małego”, „prywatnego” człowieka. Lata 60. i 70. to klasyczny okres w rozwoju tego gatunku, którego kluczowymi postaciami są słusznie B. Okudżawa, A. Galicz i W. Wysocki.

Awangarda

Od lat 60. w poezji rosyjskiej wznowiono awangardowe eksperymenty. Nowoczesna awangarda zrzeszała różne grupy poetyckie: Lianozovsky, SMOG i wiele innych nieoficjalnych klubów poetyckich. Z reguły poeci tego nurtu byli pozbawieni możliwości publikowania swoich utworów, to z nimi wiąże się pojawienie się undergroundu, który został znacznie uzupełniony w latach 70. XX wieku. Przekonani o absurdalności i nieludzkości rzeczywistości społecznej, współcześni artyści awangardowi pozbawieni są antyutopijnego patosu, który tkwił w awangardzie początku XX wieku. Takie nastawienie uwarunkowane jest również środkami artystycznymi. Odrzucając artystyczną prawdomówność, poeci tworzą zdeformowany obraz świata, którego cząstką jest człowiek. Charakterystyczną techniką w poezji współczesnej awangardy jest centon (wiersz złożony z wersów innych wierszy), który pozwala w ironiczny sposób bawić się cytatami z literatury klasycznej, różnymi pieczęciami oficjalnej propagandy i kultury masowej. To z kolei wynika z mieszania się różnych warstw stylistycznych słownictwa, odkrywania wysokiego w niskim i odwrotnie.

Konceptualizm

Jednym z pierwszych kierunków współczesnej awangardy był konceptualizm, z którym prace G. Sapgira, Vs. Niekrasow, D. Prigow, I. Cholin, L. Rubinstein. W latach 80. rozwinęła się poezja konceptualna w ironicznych wierszach A. Eremenki, E. Bunimowicza oraz w twórczości T. Kibirowa i M. Suchotina. Konceptualizm powstał jako estetyczna reakcja na totalitaryzm epoki sowieckiej, więc ideowe i artystyczne możliwości tego nurtu (gra z politycznymi i ideologicznymi kliszami biurokracji epoki sowieckiej) zostały dziś wyczerpane.

Rozwój poezji wizualnej związany jest z eksperymentami futurystów na początku XX wieku. W drugiej połowie XX w. tę poetycką tradycję odziedziczyli A. Wozniesienski, G. Sapgir, N. Iskrenko itp. Współczesna wideopoezja jest zjawiskiem międzynarodowym, związanym z powszechnym dążeniem kultury do uwolnienia się od presji ideologicznej.

Dziennikarstwo poetyckie

Połowa lat 80., podobnie jak lata „odwilży”, upłynęła pod znakiem rozkwitu dziennikarstwa poetyckiego E. Jewtuszenki, A. Wozniesienskiego, R. Rożdiestwienskiego. Twórczość V. Sokołowa, B. Achmaduliny, W. Korniłowa, O. Czukhoncewa, Yu Kuzniecowa, A. Kushnera i wielu innych poetów była poświęcona zrozumieniu tragicznych wydarzeń z przeszłości i odwiecznych problemów uniwersalnych.

poezja duchowa

Szczególnym skutkiem tragicznego XX wieku była poezja duchowa, oparta na poczuciu skruchy i szczerej wierze w Boga. Na przełomie lat 80. i 90. XX wieku poezja słynnego naukowca S. Awerincewa, poetów J. Kubłanowskiego otrzymała podtekst religijny. I. Ratuszinskaja, N. Gorbaniewskaja. W ten nurt wkraczają także młodzi poeci: M. Rakhlina, A. Zorina, O. Nikolaeva, S. Kekova.

Wykorzystane materiały książkowe: Literatura: uch. dla stadniny. śr. prof. podręcznik instytucje / wyd. GA Obernikhina. M.: "Akademia", 2010

Po rosyjsku tekst piosenki XX wieku temat poezji odchodzi w cień. Po pierwsze, zbyt wiele już o tym powiedzieli poprzednicy, a po drugie, inne tematy stają się bardziej aktualne (lub tak mi się wydaje). A jednak prawie każdy poeta przynajmniej raz pomyślał o swoim poetyckim losie, o miejscu poety w świecie i społeczeństwie. Tradycje ustanowione przez rosyjską literaturę klasyczną nadal żyją w czasach nowożytnych. Tak więc wielu poetów jest zafascynowanych tradycją obywatelstwa, wywodzącą się od Rylejewa, Niekrasowa, Majakowskiego. Z największą być może jasnością i poetycką siłą Jewtuszenko wcielił tę tradycję we współczesną poezję. To nie przypadek, że odmawia przeciwstawiania swoich intymnych tekstów tekstom politycznym, co więcej, te ostatnie z dumą nazywa swoje intymne teksty: „Ale kiedy tam, w Finlandii, pisałem wiersze o nazistach w niespokojną noc, usta były gorące i suche, nie sposób nie pisać. Pisałam, nie zamykając oczu do białego rana, zużyłam cały papier do kartki… Był to zarówno bezpośredni nakaz społeczny, jak i moje intymne teksty! I to nie przypadek, że to właśnie ten poeta wypowiedział znaczące słowa we wstępie do wiersza „Bratskaya HPP”: „Poeta w Rosji to więcej niż poeta. Przeznaczeniem jest urodzić się poetami tylko tym, w których wędruje dumny duch obywatelstwa, dla których nie ma pociechy ani pokoju. Poeta jest w nim obrazem swojej epoki i przyszłości, upiornym pierwowzorem. Tzoet podsumowuje, bez popadania w nieśmiałość, wynik wszystkiego, co było przed nim.

Wysoko ceniąc takich geniuszy rosyjskiej poezji jak Lermontow, Błok, Pasternak, Jesienin, Achmatowa, Jewtuszenko, wybiera jednak Puszkina, Niekrasowa i Majakowskiego za swoje wytyczne, a temat poezji Jewtuszenko wiąże przede wszystkim z ogromną odpowiedzialnością moralną wobec ludzi, których rzecznik doświadczeń i myśli powinien być poetą: „O Boże, daj mi być poetą! Nie daj się ludziom oszukać”.

Szukano tutaj:

• esej o rosyjskiej liryce XX wieku
• Rosyjskie teksty kompozycji XX wieku
• wypracowanie o Finlandii

Wielki rosyjski pisarz Maksym Gorki powiedział, że „wielkie impulsy ducha, umysłów i serc prawdziwych artystów są uchwycone w literaturze XIX wieku”. Znalazło to odzwierciedlenie w twórczości pisarzy XX wieku. Po rewolucji 1905 roku, pierwszej wojnie światowej i wojnie domowej wydawało się, że świat zaczyna się rozpadać. Zapanowała dysharmonia społeczna, a literatura podejmuje się zadania przywrócenia wszystkiego, co było. W Rosji zaczęła się budzić niezależna myśl filozoficzna, pojawiły się nowe nurty w sztuce, pisarze i poeci XX wieku przeceniali wartości i porzucali starą moralność.

Co to jest, literatura przełomu wieków?

Klasycyzm w sztuce został zastąpiony modernizmem, który można podzielić na kilka gałęzi: symbolizm, acmeizm, futuryzm, imagizm. Nadal kwitł realizm, w którym wewnętrzny świat człowieka był przedstawiany zgodnie z jego pozycją społeczną; socrealizm nie pozwalał na krytykę władzy, więc pisarze w swoich utworach starali się nie poruszać problemów politycznych. Po złotym wieku nastąpił wiek srebrny z jego śmiałymi nowymi pomysłami i różnorodnymi tematami. Wiek XX został napisany zgodnie z pewnym nurtem i stylem: Majakowski charakteryzuje się pisaniem po drabinie, dla Chlebnikowa liczne okazjonalizmy, dla Siewierianina niezwykły rym.

Od futuryzmu do socrealizmu

W symbolice poeta skupia swoją uwagę na pewnym symbolu, wskazówce, więc sens utworu może być niejednoznaczny. Głównymi przedstawicielami byli Zinaida Gippius, Alexander Blok, którzy nieustannie poszukiwali wiecznych ideałów, jednocześnie zwracając się ku mistycyzmowi. W 1910 roku rozpoczął się kryzys symbolizmu - wszystkie idee zostały już uporządkowane, a czytelnik nie znalazł w wierszach niczego nowego.

W futuryzmie całkowicie odrzucono stare tradycje. W tłumaczeniu termin ten oznacza „sztukę przyszłości”, pisarze przyciągnęli publiczność szokiem, chamstwem i jasnością. Wiersze przedstawicieli tego nurtu – Władimira Majakowskiego i Osipa Mandelstama – wyróżniają się oryginalną kompozycją i okazjonalizmem (słowami autorskimi).

Socrealizm postawił sobie za zadanie wychowanie ludu pracującego w duchu socjalizmu. Pisarze przedstawiali specyficzną sytuację w społeczeństwie w okresie rozwoju rewolucyjnego. Spośród poetów szczególnie wyróżniała się Marina Cwietajewa, a wśród prozaików - Maksym Gorki, Michaił Szołochow, Jewgienij Zamiatin.

Od acmeizmu do nowej liryki chłopskiej

Imagizm powstał w Rosji w pierwszych latach po rewolucji. Mimo to Siergiej Jesienin i Anatolij Mariengof nie odzwierciedlali w swojej pracy idei społeczno-politycznych. Przedstawiciele tego nurtu argumentowali, że wiersze powinny być figuratywne, więc nie skąpili metafor, epitetów i innych środków artystycznego wyrazu.

Przedstawiciele nowej liryki chłopskiej nawiązywali w swoich utworach do tradycji folklorystycznych, podziwiali wiejskie życie. Taki był rosyjski poeta XX wieku Siergiej Jesienin. Jego wiersze są czyste i szczere, a autor opisał w nich naturę i proste ludzkie szczęście, nawiązując do tradycji Aleksandra Puszkina i Michaiła Lermontowa. Po rewolucji 1917 r. krótkotrwały entuzjazm ustąpił miejsca rozczarowaniu.

Termin „acmeism” w tłumaczeniu oznacza „czas kwitnienia”. Poeci XX wieku Nikołaj Gumilow, Anna Achmatowa, Osip Mandelsztam w swojej twórczości powracali do przeszłości Rosji i witali radosny podziw życia, jasność myśli, prostotę i zwięzłość. Zdawały się cofać przed trudnościami, płynnie dryfując z prądem, zapewniając, że niepoznawalne nie może być poznane.

Filozoficzne i psychologiczne bogactwo tekstów Bunina

Iwan Aleksiejewicz był poetą żyjącym na styku dwóch epok, więc jego twórczość odzwierciedlała niektóre doświadczenia związane z nadejściem nowego czasu, kontynuował jednak tradycję Puszkina. W wierszu „Wieczór” przekazuje czytelnikowi myśl, że szczęście nie leży w wartościach materialnych, ale w ludzkiej egzystencji: „Widzę, słyszę, jestem szczęśliwy – wszystko jest we mnie”. W innych utworach liryczny bohater pozwala sobie na refleksję nad przemijaniem życia, które staje się powodem do smutku.

Bunin zajmuje się pisaniem w Rosji i za granicą, gdzie po rewolucji wyjechało wielu poetów początku XX wieku. W Paryżu czuje się jak obcy – „ptak ma gniazdo, bestia ma dziurę” i stracił ojczyznę. Bunin znajduje zbawienie w talencie: w 1933 roku otrzymał Nagrodę Nobla, aw Rosji jest uważany za wroga ludu, ale nie przestają publikować.

Zmysłowy autor tekstów, poeta i awanturnik

Siergiej Jesienin był wyobraźnią i nie tworzył nowych terminów, ale ożywiał martwe słowa, zamykając je w żywych poetyckich obrazach. Ze szkolnej ławy zasłynął jako psotnik i nosił tę cechę przez całe życie, był bywalcem tawern, słynął z romansów. Niemniej jednak namiętnie kochał swoją ojczyznę: „Będę śpiewał całą istotą poety szóstą część ziemi o krótkiej nazwie„ Rus ”- wielu poetów XX wieku podzielało jego podziw dla ojczyzny. Jesienina ujawnia problem ludzkiej egzystencji Po 1917 r. poeta jest rozczarowany rewolucją, bo zamiast upragnionego raju życie stało się piekłem.

Noc, ulica, lampa, apteka...

Alexander Blok - najjaśniejszy rosyjski poeta XX wieku, który pisał w kierunku „symboliki”. Interesujące jest obserwowanie, jak kobiecy wizerunek ewoluuje z kolekcji na kolekcję: od Pięknej Damy do żarliwej Carmen. Jeśli na początku ubóstwia obiekt swojej miłości, wiernie mu służy i nie ośmiela się dyskredytować, później dziewczęta wydają mu się bardziej przyziemnymi stworzeniami. Poprzez wspaniały świat romantyzmu odnajduje sens, przeszedł przez życiowe trudności, odpowiada w swoich wierszach na wydarzenia o znaczeniu społecznym. W wierszu „Dwunastu” przekazuje ideę, że rewolucja nie jest końcem świata, a jej głównym celem jest zniszczenie starego i stworzenie nowego świata. Czytelnicy pamiętają Bloka jako autora wiersza „Noc, ulica, lampa, apteka…”, w którym zastanawia się nad sensem życia.

Dwie pisarki

Filozofowie i poeci XX wieku to głównie mężczyźni, a ich talent ujawniły się dzięki tzw. muzom. Kobiety kreowały się pod wpływem własnego nastroju, a najwybitniejszymi poetkami Srebrnego Wieku były Anna Achmatowa i Marina Cwietajewa. Pierwsza była żoną Nikołaja Gumilowa, aw ich związku urodziła się słynna historyczka Anna Achmatowa.Anna Achmatowa nie wykazywała zainteresowania wykwintnymi zwrotkami - jej wierszy nie można było zmuzykować, były rzadkie. Przewaga żółci i szarości w opisie, ubóstwo i przyćmienie obiektów zasmucają czytelników i pozwalają odsłonić prawdziwy nastrój poetki, która przeżyła egzekucję męża.

Los Mariny Cwietajewej jest tragiczny. Popełniła samobójstwo, a dwa miesiące po jej śmierci zastrzelono jej męża.Czytelnicy zapamiętają ją na zawsze jako drobną jasnowłosą kobietkę związaną więzami krwi z naturą. Szczególnie często w jej twórczości pojawia się jagoda jarzębiny, która na zawsze weszła do heraldyki jej poezji: „Jarzębinę oświetlono czerwonym pędzlem. Liście spadały. Urodziłam się”.

Jak niezwykłe są wiersze poetów XIX i XX wieku?

W nowym stuleciu mistrzowie pióra i słowa zatwierdzili nowe formy i tematykę swoich dzieł. Wiersze-wiadomości do innych poetów lub przyjaciół pozostały aktualne. Imagista Vadim Shershenevich zaskakuje swoją pracą „Toast”. Nie stawia w nim ani jednego znaku interpunkcyjnego, nie pozostawia przerw między wyrazami, ale jego oryginalność tkwi gdzie indziej: przeglądając tekst wzrokiem od linijki do linijki, widać, jak niektóre wielkie litery wyróżniają się na tle innych wyrazów, tworząc wiadomość: Valery Bryusov od autora.

wszyscy wyglądamy jak łyżworolki

opadnij teraz lekko

pośpiech i wiosło

panie ciężarowe totmennonus

nasz ger

i wedearShowersAshiprom

szukam południa lipca w całej okazałości

RushForceopenTokclipper

wiemy, wiemy, że wszyscy młodzi mężczyźni

I wszyscy prawie mówiący rubinowe brody

Zgłaszanie tego Ashkupunsha

pić z joyzabryusovą

Twórczość poetów XX wieku uderza swoją oryginalnością. Władimir Majakowski jest również pamiętany z tego, że stworzył nową formę strofy - „drabinę”. Poeta pisał wiersze z byle powodu, ale niewiele mówił o miłości; był badany jako niezrównany klasyk, wydrukowany w milionach, publiczność zakochała się w nim za oburzające i innowacyjne.

Pod koniec XIX i na początku XX wieku radykalnie zmieniły się wszystkie aspekty rosyjskiego życia: polityka, ekonomia, nauka, technologia, kultura i sztuka. Istnieją różne, czasem wręcz przeciwstawne, oceny społeczno-ekonomicznych i kulturowych perspektyw rozwoju kraju. W powszechnym odczuciu nastaje nowa era, która przynosi zmianę sytuacji politycznej i rewizję dawnych ideałów duchowych i estetycznych. Literatura nie mogła nie odpowiedzieć na fundamentalne zmiany w życiu kraju. Następuje rewizja wytycznych artystycznych, radykalna odnowa technik literackich. W tym czasie poezja rosyjska rozwija się szczególnie dynamicznie. Nieco później okres ten zostanie nazwany „renesansem poetyckim” lub srebrnym wiekiem literatury rosyjskiej.

Realizm na początku XX wieku

Realizm nie znika, on nadal się rozwija. L.N. również aktywnie działa. Tołstoj, AP Czechow i V.G. Korolenko, M. Gorky, I.A. Bunin, AI Kuprin ... W ramach estetyki realizmu twórcze indywidualności pisarzy XIX wieku znalazły żywy wyraz, ich pozycję obywatelską i ideały moralne - realizm w równym stopniu odzwierciedlał poglądy autorów podzielających chrześcijaństwo, przede wszystkim prawosławnych, światopogląd - od F.M. Dostojewskiego do I.A. Bunin i ci, dla których ten światopogląd był obcy - od V.G. Bielińskiego do M. Gorkiego.

Jednak na początku XX wieku wielu pisarzy przestało zadowalać się estetyką realizmu – zaczęły powstawać nowe szkoły estetyczne. Pisarze jednoczą się w różnych grupach, przedstawiają zasady twórcze, biorą udział w polemikach - afirmowane są ruchy literackie: symbolizm, acmeizm, futuryzm, wyobraźnia itp.

Symbolizm na początku XX wieku

Rosyjski symbolizm, największy z ruchów modernistycznych, narodził się nie tylko jako zjawisko literackie, ale także jako szczególny światopogląd, który łączy zasady artystyczne, filozoficzne i religijne. Za datę powstania nowego systemu estetycznego uważa się rok 1892, kiedy to D.S. Mereżkowski sporządził raport „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”. Głosił główne zasady przyszłych symbolistów: „mistyczne treści, symbole i ekspansja artystycznej wrażliwości”. Centralne miejsce w estetyce symbolizmu zajął symbol, obraz, który ma potencjalną niewyczerpalność znaczeń.

Racjonalnemu poznaniu świata symboliści sprzeciwiali się konstruowaniu świata w twórczości, poznaniu środowiska poprzez sztukę, które V. Bryusov zdefiniował jako „pojmowanie świata na inne, nieracjonalne sposoby”. W mitologii różnych ludów Symboliści znaleźli uniwersalne modele filozoficzne, za pomocą których można zrozumieć głębokie podstawy ludzkiej duszy i rozwiązać duchowe problemy naszych czasów. Przedstawiciele tego nurtu zwracali również szczególną uwagę na dziedzictwo rosyjskiej literatury klasycznej - nowe interpretacje dzieł Puszkina, Gogola, Tołstoja, Dostojewskiego, Tyutczewa znalazły odzwierciedlenie w pracach i artykułach symbolistów. Symbolizm nadał kulturze nazwiska wybitnych pisarzy - D. Mereżkowskiego, A. Bloka, Andrieja Biela, W. Bryusowa; estetyka symbolizmu wywarła ogromny wpływ na wielu przedstawicieli innych nurtów literackich.

Akmeizm na początku XX wieku

Akmeizm narodził się na łonie symbolizmu: grupa młodych poetów założyła najpierw stowarzyszenie literackie „Pracownia Poetów”, a następnie ogłosiła się przedstawicielami nowego nurtu literackiego – acmeizmu (z gr. , szczyt). Jej głównymi przedstawicielami są N. Gumilow, A. Achmatowa, S. Gorodecki, O. Mandelstam. W przeciwieństwie do symbolistów, którzy starają się poznać niepoznawalne, zrozumieć wyższe istoty, acmeiści ponownie zwrócili się ku wartości ludzkiego życia, różnorodności jasnego ziemskiego świata. Głównym wymogiem formy artystycznej prac była malarska wyrazistość obrazów, sprawdzona i precyzyjna kompozycja, równowaga stylistyczna i ostrość detali. Akmeiści najważniejsze miejsce w estetycznym systemie wartości przypisywali pamięci – kategorii związanej z zachowaniem najlepszych tradycji rodzimych i światowego dziedzictwa kulturowego.

Futuryzm na początku XX wieku

Obraźliwe recenzje literatury dawnej i współczesnej wydawali przedstawiciele innego modernistycznego nurtu – futuryzmu (z łac. futurum – przyszłość). Za konieczny warunek istnienia tego literackiego fenomenu, jego przedstawiciele uważali atmosferę skandalu, kwestionowania publicznego gustu, literackiego skandalu. Zamiłowanie futurystów do masowych przedstawień teatralnych z przebierankami, malowaniem twarzy i rąk wynikało z idei, że poezja powinna wychodzić z książek na plac, rozbrzmiewać przed widzami-słuchaczami. Futuryści (W. Majakowski, W. Chlebnikow, D. Burliuk, A. Kruchenykh, E. Guro i inni) przedstawili program przekształcenia świata za pomocą nowej sztuki, która porzuciła dziedzictwo swoich poprzedników. Jednocześnie, w przeciwieństwie do przedstawicieli innych ruchów literackich, w uzasadnieniu twórczości opierali się na naukach podstawowych - matematyce, fizyce, filologii. Cechami formalnymi i stylistycznymi poezji futuryzmu było odnowienie znaczenia wielu słów, słowotwórstwo, odrzucenie znaków interpunkcyjnych, specjalna szata graficzna poezji, depoetyzacja języka (wprowadzenie wulgaryzmów, terminów technicznych, zniszczenie zwykłych granic między „wysokim” a „niskim”).

Wniosek

Tak więc w historii kultury rosyjskiej początek XX wieku to pojawienie się różnych ruchów literackich, różnych poglądów estetycznych i szkół. Jednak autorzy oryginalni, prawdziwi artyści słowa przełamywali wąskie ramy deklaracji, tworzyli dzieła wysoce artystyczne, które przetrwały swoją epokę i weszły do ​​skarbca literatury rosyjskiej.

Najważniejszą cechą początku XX wieku był powszechny głód kultury. Nie być na premierze spektaklu w teatrze, nie być na wieczorze autorskiego i już sensacyjnego poety, w literackich salonach i salonach, nie czytać właśnie wydanego tomiku poezji uznano za oznakę złego smaku, przestarzałe, nie modne. Kiedy kultura staje się modnym zjawiskiem, to dobry znak. „Moda na kulturę” nie jest dla Rosji zjawiskiem nowym. Tak było w czasach V.A. Żukowski i A.S. Puszkin: pamiętajmy „Zieloną lampę” i „Arzamy”, „Towarzystwo Miłośników Literatury Rosyjskiej” itp. Na początku nowego stulecia, dokładnie sto lat później, sytuacja praktycznie się powtórzyła. Srebrny Wiek przyszedł, aby zastąpić Złoty Wiek, utrzymując i utrzymując połączenie czasów.